Moma- Museu de Arte Moderna de Nova Iorque

Oi, meus caviares e ovos fritos!

Hoje quero compartilhar um pouco da experiência de estar em um dos museus de arte moderna mais famosos e importantes do mundo, o Moma.

Fotografia retirada do site moma.org

O Moma foi inaugurado em 1929. Iniciou exibindo apenas 8 pinturas e 1 desenho, hoje, o museu tem um acervo com mais de 150.000 pinturas, esculturas , desenhos, modelos de arquitetura, imagens e fotografias e peças de designs.

O museu tem também uma livraria e arquivo com mais de 305.000 livros e ficheiros de mais de 70.000 artistas.

O museu abre todos os dias e o horário de funcionamento de 10:30 da manhã até 17:30.

E o valor do ticket de entrada ao museu varia de acordo com cada situação. O preço cheio custa 25, 00 dólares, o que considero bem caro, porém, essa é a média de preço para os museus nova-iorquinos.

Crianças abaixo de 16 anos não pagam, estudantes, idosos e portadores de necessidades especiais tem desconto.

Porém acabei descobrindo nessa minha segunda visita ao Moma, que com o cartão do banco americano “Bank of America”, a entrada para o museu também é gratuita. Eles não conferem o nome no cartão, apenas olham e entregam o ticket. Eu usei o cartão de uma amiga, que me informou essa artimanha.

Entretanto se mesmo assim você continua achando absurdo o preço cheio, não se enquadra nas possibilidades de desconto e também não possui um cartão do banco americano.
Tenho uma boa notícia para você, pois todas as primeiras terças-feiras de cada mês e também todas sextas- feiras, a entrada do Moma é gratuita para todos os visitantes .
Sendo que apenas no horário noturno. Horário que é de 17:30 às 21:00.

Nessa minha segunda visita ao Moma, tentei priorizar em ver artistas que eu não conhecia, muitos deles americanos, cubanos e haitianos.

Eu tirei poucas fotos dessa vez, no entanto, gravei diversos vídeos onde explico um pouco de algumas obras.

Pintura de the Jungle, de Wilfredo Lam

Wilfredo Lam é um pintor e escultor afro-cubano do século XX – que se destacou por usar uma estética surrealistas combinadas de movimentos artísticos europeus, como cubismo, por exemplo, combinando características do seu país de origem

Lam, que passou três anos trabalhando com os surrealistas em Paris, apontou para a The Jungle para transmitir as conseqüências assustadoras da escravidão e do colonialismo para sua ilha natal de Cuba. Ele retratou figuras com rostos em forma de crescente, lembrando máscaras africanas ou das ilhas do Pacífico, contra um fundo de canaviais cubanos. Cuba, um dos maiores exportadores de açúcar do mundo, foi colonizada desde o século XVI, e o comércio de escravos no Atlântico havia trazido mais de um milhão de africanos para o trabalho nas plantações do país. “Eu queria de todo o coração pintar o drama do meu país”, escreveu Lam, “perturbar os sonhos dos exploradores”.

Pintura de Jackson Pollock

Jackson Pollock é um pintor americano do século XX, que foi o maior ícone do Expressionismo abstrato.

Ele foi amplamente reconhecido por sua técnica de derramar ou espirrar tinta líquida doméstica em uma superfície horizontal (‘técnica de gotejamento’), permitindo que ele visse e pintasse suas telas de todos os ângulos. Também era chamado de ‘pintura de ação’, já que ele usava a força de todo o corpo para pintar, geralmente em um estilo de dança frenético. Essa forma extrema de abstração dividiu os críticos: alguns elogiaram o imediatismo e a fluência da criação, enquanto outros ridicularizaram os efeitos aleatórios na época.

Eu, particularmente, achei incrível a técnica, que antes eu não conhecia, pois o resultado de todo o trabalho é uma obra de arte surpreende.

(The ugly America), de Hervé Télémaque

Hervé Telémaque ainda vivo – é um pintor haitiano contemporâneo, que se naturalizou francês.
Suas obras são associadas com o surrealismo.

Nesta obra, Télémaque justapõe figuras históricas, referências literárias e imagens pessoais. Uma Vênus antiga é retratada ao lado de Toussaint Louverture, que liderou uma revolta contra a escravidão e o domínio colonial no Haiti na década de 1790, e Fidel Castro, o líder comunista da Revolução Cubana. As palavras no canto superior esquerdo são da peça King Ubu, de Alfred Jarry, uma sátira sobre um ditador sedento de sangue. Télémaque completou esta pintura em Paris, para onde se mudou depois de ficar desiludido com Nova York; as cabeças loiras gritando “STOP”, bem como o título apontado da obra, transmitem o que o artista chamou de “atmosfera” racista da cidade americana. Essas caricaturas se juntam a outras imagens grotescas, parecidas com desenhos animados, em uma mistura caleidoscópica que sugere uma história recorrente de caos e violência sem sentido.

Keith Haring, de 1982

Haring começou sua carreira no início dos anos 80 com desenhos de grafite feitos no metrô e nas calçadas da cidade de Nova York. Criaturas de desenho animado foram combinadas com padrões abstratos altamente estilizados para criar um tapete denso e rítmico de imagens, e naves espaciais, corações, bebês rastejantes e figuras aladas apareciam com freqüência, como fazem neste grande desenho parecido com um friezel. Seu tamanho evoca os murais públicos efêmeros do artista e preenche a lacuna entre a galeria de arte e a rua.

Shelf life, de Adam Linder


A vida de prateleira de Linder é um trabalho recém-imaginado para seis dançarinos. A cada apresentação, os dançarinos adotam três conceitos: a barra, o sangue e o cérebro. Para Linder, esses três elementos formam uma espécie de sistema nervoso para a dança: o Barre é onde a dança acontece, o sangue a impulsiona e o cérebro a controla. Na vida útil, os artistas incorporam os três “órgãos” desse corpo coreográfico, usando uma variedade de movimentos e adereços. O título Shelf Life faz alusão aos recursos físicos finitos gastos pelo corpo do bailarino e como o virtuosismo e a performance temporariamente são definidos no contexto do museu.

Essa é uma das performances mais interessantes que assisti nos últimos tempos, pois ao mesmo tempo que desperta curiosidade, também desperta desconforto, pois você consegue sentir como se realmente os dançarinos fossem órgãos. Ainda mais o sangue que não para de correr.

No início antes de saber que se tratava dos órgãos citados acima, eu achava que era o coração, pulmão e o fígado, pois associei a menina fumando e as batidas do coração com um sistema dentro do ser humano, somente mais tarde que ratifiquei do que se tratava lendo a descrição da apresentação.

Senti desconforto, pois o sistema dentro de nós não pode parar, está funcionando a todo momento e isso é algo estranho de ser observar.

The migration series, de Jacob Lawrence


Jacob Lawrence é um pintor afro-americano conhecido por seu retrato da vida afro-americana. Além de pintor, contador de histórias e intérprete, ele era um educador. Lawrence se referia a seu estilo como “cubismo dinâmico”, embora, por sua própria conta, a influência primária não fosse tanto a arte francesa, mas as formas e cores do Harlem. Ele deu vida à experiência afro-americana usando pretos e marrons justapostos com cores vivas. Ele também ensinou e passou 16 anos como professor na Universidade de Washington.

Uma das obras que mais chamaram minha atenção foi a série de migração, de Jacob Lawrence, outro artista que eu também desconhecia. Jacob morreu no ano 2000, mas deixou seu legado artístico com um grito de reivindicação.

Em suas pinturas ele destaca cada detalhe da migração dos negros dentro dos Estados Unidos, destacando os dilemas enfrentados como se fossem imagens contemporâneas, pois o racismo institucional assola o país até os dias de hoje.

Em 1941, Jacob Lawrence, então com apenas 23 anos, completou a série de sessenta pinturas sobre a Grande Migração, o movimento de massas de afro-americanos do sul rural ao norte urbano. O trabalho de Lawrence é um marco na história da arte moderna e um exemplo importante de como a pintura histórica foi radicalmente reimaginada na era moderna.

As histórias da Grande Migração foram contadas de várias formas, incluindo romances, pinturas e memórias. Um dos gêneros tocados de maneira mais indelével por esse fenômeno foi o blues; através da música, os músicos contaram histórias de dificuldades e esperança, falando tanto para as privações da vida no sul quanto para a dor de sair de casa. Em “Northbound Blues” (1925), uma das primeiras músicas gravadas sobre a migração, a cantora e pianista Maggie Jones conta sobre deixar o sul:

“Indo para o norte criança, onde eu posso ser livre
Onde não há dificuldades, como no Tennessee
Indo para onde eles não têm leis de Jim Crow
Não precisa trabalhar lá, como no Arkansas”

Só para entender, durante a Guerra Mundial, houve uma grande migração para o norte pelos negros do sul.

Lawrence abre sua série de sessenta painéis com esta imagem de uma multidão caótica em uma estação de trem, empurrando em direção a três vitrines marcadas CHICAGO, NEW YORK e ST. LOUIS. Imagens de estações de trem, vagões, salas de espera e passageiros carregados por malas são recorrentes ao longo da série de migração; ao fazê-lo, fornecem um marcador métrico de tempo que não é diferente do som rítmico do trem em movimento. Cada um desses trio de cidades é objeto de um capítulo da migração negra de Emmett J. Scott durante a guerra (1920), um dos primeiros esforços acadêmicos a enfrentar as enormes mudanças demográficas promovidas pela Grande Migração. “Eles saíram como se estivessem fugindo de alguma maldição”, escreve ele. A migração de negros durante a guerra foi um dos livros fundamentais que Lawrence leu em sua extensa pesquisa preparatória para sua série na filial da 135th Street da Biblioteca Pública de Nova York no Harlem. Ele voltou ao estudo de Scott várias vezes, frequentemente usando as pesquisas do autor para criar suas legendas.

Para finalizar meu tour pelo Moma, apresento o rei do pop, que não é Michael Jackson, mas sim Andy Warhol.

Andy Warhol era um artista americano, diretor de cinema e produtor, que era uma figura importante no movimento de arte visual conhecido como pop art. Seus trabalhos exploram a relação entre expressão artística, publicidade e cultura de celebridades que floresceu na década de 1960 e abrangem uma variedade de mídias, incluindo pintura, serigrafia, fotografia, filme e escultura.

Gold Marilyn Monroe, de Andy Warhol

Warhol fez dessa pintura a lenda da tela do ano Marilyn Monroe cometeu suicídio. Ele pintou a tela com um ouro iridescente e filtrou a face da estrela no centro da composição. Como outras pinturas de Warhol que apresentam a semelhança de Monroe, este trabalho é baseado em uma publicidade de 1953 ainda para o filme Niagara. Duplicando uma fotografia conhecida por milhões, Warhol minou a singularidade e autenticidade característica do retrato tradicional. Em vez disso, ele apresentou Monroe como uma imagem infinitamente reproduzível.

As latas de sopa de Andy Warhol, Campbell, são o trabalho de assinatura na carreira do artista e um marco na coleção do MoMA. A série de 1962 de 32 pinturas é a peça central nesta exposição de coleção focada da obra de Warhol durante os anos cruciais entre 1953 e 1967. As latas de sopa marcam um avanço para Warhol, quando ele começou a aplicar suas estratégias seminais de repetição e reprodução em série para assuntos derivados da cultura americana de mercadorias. Warhol também desenvolveu seu uso exclusivo da estética plana e uniforme da impressão de fotos logo após concluir as latas de sopa. Pela primeira vez no MoMA, as 32 latas de sopa são mostradas em uma linha (e não em uma grade), ecoando a maneira como foram exibidas pela primeira vez na Ferus Gallery, Los Angeles, em 1962. A exposição também inclui desenhos e livros ilustrados Warhol feito na década de 1950, quando iniciou sua carreira como artista comercial, e outras pinturas e gravuras a partir da década de 1960, quando se tornou um farol do movimento pop art.

Obrigada por ter lido até aqui. Deixe seu comentário e até a próxima!📝🌺🌸🌼🌻

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